La famiglia dei gobbon

 "La famiglia dei gobbon" es una canción infantil italiana que todos los niños aprenden en la escuela o en casa. Cuenta la historia de una familia de jorobados, jorobado el padre, jorobada la madre, jorobados los hijos, parientes y amigos... Probablemente viene del nordeste de Italia, pero se ha hecho popular en tutto il Bel Paese, sobre todo a partir de su difusión en televisión en programas infantiles. La canción ironiza sobre este aspecto físico creando una narración cómica y fantasiosa, cuyo objetivo es que los niños aprendan riendo los nombres de parentescos.

Como en todas las canciones populares, hay muchas versiones distintas y en distintos dialectos italianos. Además, la estructura compositiva del tema permite que se añadan o quiten estrofas a voluntad. Eso sí, lo que no cambia nunca es el estribillo: "Gobo so pare, goba sa mare..."

Sobre la joroba y los jorobados, recordemos que a los aficionados de "La Vecchia Signora", el equipo de fútbol de la ciudad de Torino (Turín), vinculado al menos desde 1920 a la familia Agnelli (la propietaria y fundadora de los coches Fiat), se los llama "gobbi", jorobados, así como "bianconeri", blanquinegros (por la camiseta que visten los jugadores). No deja de ser paradójico que a un equipo cuyo nombre se relaciona con la juventud se le llame "Vecchia Signora", ello debido a su longevidad en las competiciones italianas y a su buen hacer balompédico, que le ha permitido tener un currículum digno de admiración.

En la literatura, la música y la cultura, son jorobados famosos Quasimodo, el jorobado de Notre-Dame; Soren Kierkegaard, filósofo danés; Donatello, escultor italiano; el molinero de El sombrero de tres picos, de Pedro Antonio de Alarcón; Igor, el servidor del doctor Frankenstein; la Befana, la bruja buena que reparte regalos a los niños de todo el mundo montada en su escoba voladora...

En la música moderna brasileira, el movimiento más renovador y vanguardista fue llamado "bossa nova", la "joroba" nueva, la forma nueva de hacer música, así que vemos que el jorobado y su joroba se vinculan frecuentemente a ideas de contraste entre la fealdad externa y la bondad y humanidad internas. 

Dejamos aquí varias versiones de la canción infantil italiana "La famiglia dei gobbon":

Un gobbo ed una gobba

all'età di novant'anni

per por fine ai loro affanni

per por fine ai loro affanni.

Un gobbo ed una gobba

all'età di novant'anni

per por fine ai loro affanni

si decisero a sposar. 

Gobbo il padre, gobba la madre,

gobba la figlia della sorella

era gobba pure quella

era gobba pure quella.

Gobbo il padre, gobba la madre,

gobba la figlia della sorella

era gobba pure quella:

la famiglia dei gobbon.

E celebrò le nozze il canonico Don Pietro,

con la gobba avanti e dietro,

con la gobba avanti e dietro.

E celebrò le nozze il canonico Don Pietro,

con la gobba avanti e dietro, 

la famiglia dei gobbon. 

Gobbo il padre, gobba la madre... 

Per rallegrar la festa 

c'eran pure i musicanti,

con le gobbe da giganti,

con le gobbe da giganti.

Per rallegrar la festa

c'eran pure i musicanti,

con le gobbe da giganti,

la famiglia dei gobbon. 

Gobbo il padre, gobba la madre... 

E dopo nove mesi

è nato un bel bambino,

anche lui col suo gobbino,

anche lui col suo gobbino.

E dopo nove mesi

è nato un bel bambino,

anche lui col suo gobbino, 

"O bone Iesu", de Juan de Anchieta

 Hay varias composiciones con este mismo título, pero quizás las más famosas son las de Giovanni Pier Luigi da Palestrina y el "O bone Iesu" de Juan de Anchieta (circa 1462-1523), obra maestra de la polifonía española renacentista, recogida en el cancionero de Segovia.

Juan de Anchieta, nacido en Azpeitia, Guipúzcoa, hacia 1462, fue un sacerdote y compositor del Renacimiento español, uno de los mayores exponentes de la polifonía religiosa. Su nombre no debe ser confundido con el del escultor Juan de Ancheta. De orígenes nobles, tuvo una esmerada educación y pasó por la Universidad de Salamanca, donde estudió música y siguió la carrera sacerdotal.

En 1489 fue nombrado capellán y cantor de la capilla de la reina Isabel de Castilla, la Católica, y sabemos que en 1492 estuvo presente en la conquista de Granada. Luego fue maestro de capilla de los infantes, del rey Fernando el Católico, de Juana la Loca e incluso del futuro emperador Carlos I. Ya viejo, se retiró a su localidad natal de Azpeitia.

Entre su obra secular, destacamos varios villancicos y romances, pero sobre todo, Anchieta es hoy muy reconocido por su obra religiosa y, de ella, destacamos el motete "O bone Iesu", que aquí comentamos. La obra destaca por su acendrada religiosidad, su uso magistral de la polifonía y el contrapunto vocal

Texto latino

O bone Jesu,

illumina oculos meos,

ne unquam obdormiam in morte,

ne quando dicat inimicus meus,

praevalui adversus eum.

In manus tuas, domine, commendo Spiritum meum.

Redemisti me domine, deus veritatis.

¡Oh, Mesías!

Locutus sum in lingua mea:

notum fac mihi domine finem meum.

Comentario

El texto procede de una oración de finales de la Edad Media, de origen desconocido, pero seguramente laico, y es una sucesión de versos que proceden de diferentes Salmos, comúnmente llamados «Versos de San Bernardo».

En este tipo de oraciones es frecuente que haya un apóstrofe o advocación (el vocativo del verso inicial: "O bone Iesu", ¡Oh, buen Jesús!), donde se suele incluir también el nombre de Cristo en hebreo o en griego: Adonaí, Mesías, etc.

Después de la invocación, se pide a Jesús que ilumine nuestros ojos, que nos haga prevalecer frente a nuestros enemigos, nos encomendamos en sus manos, en cuerpo y espíritu y lo reconocemos como redentor y dios verdadero.

Para terminar, dejamos una versión del "O bone Iesu" del genio italiano Giovanni Pier Luigi da Palestrina, también excelso en el uso de la polifonía y destacadísimo por su encendida religiosidad.

"Java Jive", de Manhattan Transfer

"Java Jive" es un tema alegre y muy famoso del grupo musical norteamericano Manhattan Transfer. El grupo se creó en 1972 y está relacionado sobre todo con el jazz, pero también con otros estilos de música.

Su nombre se debe a una novela del mismo título del escritor norteamericano John Dos Passos, considerada una de las cien más influyentes de la literatura mundial contemporánea. En su relato, Dos Passos ataca la vida neoyorquina, de Manhattan, llena de consumismo e indiferencia. Es una novela pesimista y experimental, inspirada en el Ulysses de Joyce y The waste land (Tierra baldía), de T.S. Eliot; también influida por la técnica del collage que usó en el cine Serguéi Eisenstein. El narrador cuenta la historia de muchos personajes a lo largo de más de 30 años. El vínculo común a todos ellos es la ciudad de Nueva York, donde transcurren los episodios.

La novela de Dos Passos es de 1925, igual que El gran Gatsby, de F. Scott Fitzgerald, pero el primero habla del fracaso y Fitzgerald, al contrario, retrata el mundo del éxito (lujo, dinero, fiestas...)

Dejamos aquí la versión original del grupo y una adaptación para coro, más la primera versión de 1940 del grupo "The Ink Spots". La canción habla del amor del cantante por el café y el té. También refleja la jerga de la época, la manera de hablar de la gente de a pie. Por ejemplo, se alude a un tal Sr. Moto, que era un espía japonés ficticio que el cine había hecho famoso, de ahí que se le pida que dispare a la cafetera. La expresión "Cortaré la alfombra" quiere decir "Bailaré". No es una letra muy trascendente, más bien se deja llevar por el ritmo y la rima, para que el tema fluya bien, aun a costa de decir banalidades. Parece que todo transcurre en un restaurante, por eso se llama al camarero, se le pide café en vez de alcohol y el cantante parece que come algo y toma también una hamburguesa (de ahí lo de la cebolla y las judías). El subidón de cafeína del Java Jive es lo que hace que el cantante se ponga a cantar, hablar y bailar como poseído. "Jive" significa también, en la jerga de los negros de entonces, "cháchara".

Java Jive (El jive de Java)

Me encanta el café, me encanta el té

I love coffee, I love tea

Me encanta el jive de Java y me ama

I love the Java Jive and it loves me

Café y té y el java y yo

Coffee and tea and the java and me

Una taza, una taza, una taza, una taza, una taza (¡Chico!)

A cup, a cup, a cup, a cup, a cup (Boy!)

Me encanta el Java, dulce y caliente

I love java, sweet and hot

Sr. Moto, soy una cafetera

Whoops, Mr. Moto, I'm a coffee pot

Dispara a la olla y me serviré un trago

Shoot the pot and I'll pour me a shot

Una taza, una taza, una taza, una taza, una taza

A cup, a cup, a cup, a cup, a cup

Oh, dame una bala de la maravillosa taza

Oh, slip me a slug from the wonderful mug

Y cortaré una alfombra en una jarra

And I'll cut a rug just snug in a jug

Una cebolla cortada y una cruda

A sliced up onion and a raw one

Dibuja uno

Draw one -

Camarero, camarero, percolador

Waiter, waiter, percolator

Me encanta el café, me encanta el té

I love coffee, I love tea

Me encanta el jive de Java y me ama

I love the Java Jive and it loves me

Café y té y el java y yo

Coffee and tea and the java and me

Una taza, una taza, una taza, una taza, una taza

A cup, a cup, a cup, a cup, a cup

Frijol de Boston (habas de soja)

Boston bean (soy beans)

Frijol verde (col y verduras)

Green bean (cabbage and greens)

No me gusta un frijol

I'm not keen about a bean

A menos que sea un frijol de chile (niño!)

Unless it is a chili chili bean (boy!)

Me encanta el Java dulce y caliente

I love java sweet and hot

Whoops, Sr. Moto, soy una cafetera (sí).

Whoops, Mr. Moto, I'm a coffee pot (yeah).

Dispárame la olla y me serviré un trago.

Shoot me the pot and I'll pour me a shot.

Una taza, una taza, una taza (sí).

A cup, a cup, a cup (yeah).

Dame una babosa de la maravillosa taza

Slip me a slug of the wonderful mug

'Voy a cortar una alfombra igual de ajustada en una jarra

'An I'll cut a rug just as snug in a jug

Deja caer un centavo en la olla Joe

Drop a nickel in the pot Joe

Tomas despacio

Takin' it slow

Camarero, camarero, percolador

Waiter, waiter, percolator

Me encanta el café, me encanta el té

I love coffee, I love tea

Me encanta Java Jive y me ama

I love the Java Jive and it loves me

Café y té y el java y yo

Coffee and tea and the java and me

¡Una taza, una taza, una taza, un vaso, chico!

A cup, a cup, a cup, a cup, boy!

Acabamos con una versión para coro, del Coro Joven de Gijón.

Un par de cosas sobre "Va, pensiero", el coro más famoso de la historia de la ópera, compuesto por Giuseppe Verdi

 Si quieres saber algo sobre el coro "Va, pensiero, sull'alli dorate", un auténtico himno a la libertad entonado por el pueblo judío, oprimido por los babilonios, mira en estos enlaces de Letr@herida:

• "Va, pensiero", de G. Verdi, en Letr@herida".

¿En tu casa o en la mía?

En español no existe una preposición para decir "en casa de..." como sí ocurre en otras lenguas románicas, como el italiano ("da") o el francés ("chez"), que son en este punto más sintéticas que la nuestra. En castellano, debemos recurrir al modo perifrástico, es decir, a la locución preposicional "en (la) casa de".

Así, por ejemplo, diremos: "Nos vemos en mi casa / en casa de Luis / en la casa de Rosa"... También se usa la palabra "casa" para referirnos no al hogar, sino a algún negocio, especialmente de restauración: "Casa Emilio", "Casa Manolo", etc., quizás porque en el mundo de los trabajadores autónomos, donde imperan las larguísimas jornadas laborales, es normal y comprensible la conversión del local de trabajo en refugio hogareño.

Este uso de la palabra "casa" referida al lugar de trabajo se da también otras lenguas ibéricas, como el asturiano: "Ca mi Güelu", "Ca Antón", "Cá Nene", "Ca' Susín", con apócope del vocablo, que puede verse escrito con o sin acento, con o sin apóstrofe.

Un uso coloquial enormemente llamativo en castellano es la expresión "casa Dios" o "ca dios", abreviada la palabra "casa" o sin abreviar y escribiendo "Dios" en mayúscula o minúscula a gusto del usuario. La expresión significa que algo queda muy lejos, "en el quinto pino", "donde Cristo perdió el paraguas / el gorro", y posiblemente tenga que ver con que el reino de Dios se ubica en el Más Allá: "El parque queda en ca Dios", "Eso está en casa Dios".

En el español de América, y especialmente en el español que se habla en Argentina, se registra un uso muy peculiar: "Lo de Mafalda", con el sentido de "en casa de...", como cuando decimos: "Nos reunimos en lo de Carlos". Por cierto, el periodista catalán Jordi Évole ha elegido para su programa de entrevistas en la Sexta un título, "Lo de Évole", que evoca ese uso ultramarino al que acabamos de referirnos y que pone el acento en el tono familiar, entrañable, doméstico que el periodista quiere dar a sus charlas con sus invitados televisivos.

En italiano, sin embargo, a diferencia del español, podemos decir muy sintéticamente "Da me", "Da te", en el sentido de "En mi casa", "En tu casa". También con el sentido de "negozio, locale di...", verbigracia: "Si mangia bene da Beppe" ("Se come bien en Casa Pepe"), "Compro la carne dal macellaio / in macelleria" ("Compro la carne en (casa d)el carnicero / en la carnicería"). Por supuesto, la preposición "da" puede fusionarse en italiano con el artículo determinativo (dal, dal', dalla, dagli, dalle, dai) y puede tener significados distintos en función de los diferentes contextos u ocurrencias en que aparece, por ejemplo:

• Vengo da Russia (expresa procedencia: "Vengo de Rusia").
• Abito a Saragozza da più di dieci anni (significa duración, temporalidad: "Vivo en Zaragoza desde hace más de diez años").

En inglés, lengua indoeuropea como el español, pero no neolatina, sino del grupo germánico, existe el mecanismo del genitivo sajón que, en algunos casos, adquiere el valor de la expresión "en casa de". Por ejemplo: "McDonald's" ("en casa de McDonald"), "Boccaccio's Disco Pub"... Hay que decir que, gracias a la pujanza de la cultura anglosajona (la "cultura de la hamburguesa"), este mecanismo compositivo se ha hecho tan popular que es posible encontrarlo en expresiones como "Paco's, Pepe's, Luci's, Manolo's"... ¡Curiosa mezcla de casticismo y anglicismo, todo en uno!

En francés, encontramos la preposición "chez": "Chez moi ou chez toi?" ("¿En mi casa o en tu casa?"), que también se utiliza para referirse a los negocios: "Chez Maxim's" ("Casa Maxim", famosísimo restaurante francés o "francanglais", puesto que añade el genitivo sajón a su nombre ultragalo, de manera très à la mode, pero más bien poco patriótica), "Chez Janou"...

En els països catalans, en Cataluña, en las islas Baleares, encontramos varios topónimos que empiezan por "can" ("casa de"): "Can Pastilla, Can Picafort, Can Parellada, Can Marcet, ca n'Amat", etc. Se trata de lugares donde antaño había algún caserío, alguna masía o, como se dice en el Pirineo aragonés, alguna pardina, y donde hogaño se levantan casi siempre vastas edificaciones hosteleras, discotequeriles y turísticas.

En cuanto a la expresión que hemos elegido como título de esta entrada, "¿En tu casa o en la mía?", es el título de una película alemana de 2014, "Zu mir oder zu dir?" (Obsérvese que también en alemán la preposición "zu" adquiere el significado de "en casa de"). Además, era el título de un programa de entrevistas de Bertín Osborne en RTVE, "¿En la tuya o en la mía?" (Aquí se sobrentiende, claro está, la palabra "casa"). E igualmente, hay desde hace poco una serie de Netflix titulada más o menos del mismo modo: "¿Tu casa o la mía?", traducción hispánica del original inglés "Your Place or Mine?" La expresión alude al encuentro en una u otra casa de una pareja, muy frecuentemente joven y vigorosa, vaya uno a saber para qué: para jugar al parchís, para ver la tele o probablemente para jugar, como nosotros aquí, al juego de las etimologías, jejeje.

En fin, dejemos a los tiernos pipiolos deleitándose en sus caseros escarceos y corramos el estúpido... el tupido... velo del decoro como pedían los preceptistas clásicos.

De la tozudez maña a la tozudez itálica

Una de las características más destacadas del carácter maño es, para bien o para mal, la tozudez. Hay dos anécdotas, o chascarrillos, bien conocidas que reflejan muy bien esta manera de ser:

La primera, la del baturro que camina por la vía del tren y, cuando oye el pitido del maquinista en señal de aviso, le responde con el conocidísimo: 

-- ¡Chifla, chifla, que como no te apartes tú...!

(Con sus variantes: "Chufla, chufla...")

Escena tan famosa que incluso apareció en el cine, en la película Nobleza baturra (1935), del cineasta aragonés, de La Almunia de doña Godina, Florián Rey, con Imperio Argentina como protagonista. Aquí podemos ver la escena:

Este chiste se ha elevado de anécdota a categoría, convirtiéndose en todo un tópico sobre el modo de ser, hacer y pensar del zaragozano y, por ende, del aragonés.

La segunda anécdota, o cuentecillo, es la que suele titularse "A Zaragoza... o al charco" y, con diferentes versiones, cuenta más o menos lo siguiente:

Un enviado divino, habitualmente san Pedro, baja al mundo a darse un garbeo y se encuentra a un baturro al que pregunta adónde va; el maño le responde que a Zaragoza y, a su vez, el santo replica: "Si Dios quiere". Pero el aragonés insiste: "Que quiera o no, a Zaragoza que voy", lo que trae como consecuencia que el portero divino lo convierta en rana y lo deje entre lodo y agua por una larga temporada.

Cuando, al cabo de un tiempo, vuelve san Pedro por allí con ánimo de devolver a su ser al baturro, le pregunta de nuevo adónde va, y responde: "Pues ya lo sabes, a Zaragoza", lo que lleva al apóstol a recriminarle: "Si Dios quiere, hombre, si Dios quiere".  La réplica maña es tajante: "Qué Dios ni qué... ¡A Zaragoza o al charco!"

Bien, pues este cuentecillo tan nuestro, innúmeras veces versionado, considerado algo así como la quintaesencia de nuestro carácter, aparece contado más o menos de la misma forma en el volumen primero de las Fiabe italiane (Fábulas italianas), recogidas por Ítalo Calvino. Cito por la edición de la casa editorial Einaudi, de 1991.

Entre los muchos relatos populares que allí se recogen, el número 20 (página 73) se titula "I biellesi, gente dura". Los "bielleses" son los habitantes de Biella, al norte de Italia (topónimo que, por cierto, también existe en España y en Francia).

Ahora el protagonista es un campesino que debía bajar a Biella por un asunto importante. A pesar del viento y de la lluvia, él seguía impertérrito su camino, con la cabeza baja y un único propósito de llegar a destino. En el trayecto se encuentra a un "vecchio" (viejo) que le pregunta adónde va. "A Biella", le responde. Y el viejecito añade: "se Dio vuole". El aldeano insiste:

"--Se Dio vuole, vado a Biella; e se Dio non vuole, devo andarci lo stesso" ("Si Dios quiere, voy a Biella; y si Dios no quiere, debo ir lo mismo").

Resulta, claro, que el anciano era el Señor, quien castiga al osado a transformarse en rana durante siete años y a vivir en el pantano entre tanto. Al cabo del tiempo, el hombre recuperó su anterior aspecto y salió por fin de la ciénaga. Se colocó su boina y retomó el camino a Biella, donde volvió a encontrase con el viejecito:

"--Dov'è che andate di bello, buon uomo?

--A Biella.

--Potreste dire: "se Dio vuole". ("Podrías decir: si Dios quiere")

--Se Dio vuole, bene; se no, il patto lo conosco, e nel pantano ci so andare ormai da solo. ("Si Dios quiere, bien; y si no, el trato ya lo conozco y al pantano ahora ya sé ir solo")

E non ci fu verso di cavarne altro". ("Y no hubo forma de sacarlo de ahí")

Esta curiosa coincidencia argumental entre un cuento tradicional aragonés y otro italiano nos lleva a pensar que existe un fondo común compartido de tradiciones populares en el espacio europeo que nos hermana y acerca. A pesar de los orgullosos castillos nacionales y/o regionales que algunos se empeñan en levantar, la investigación etnográfica nos lleva a pensar que nada de lo humano es particular o local, más bien al contrario: nuestra insignificancia existencial nos aúna y convoca, nuestras pasiones se repiten y nuestros defectos nos duplican  Por más que algunos sueñen esencias propias o hechos diferenciales.

Un par de ideas de Plutarco

Plutarco (Queronea, c. 46-Delfos, c. 120), filósofo e historiador griego del periodo helenístico, es conocido sobre todo por su magna obra Vidas paralelas, donde narra la vida de famosos griegos y romanos que él empareja para que veamos mejor el transcurso vital de cada uno. Pero tiene también otras obras importantes, si bien menos conocidas, como Moralia (Obras morales y de costumbres). Entre ellas, dos obritas, El arte de escuchar y El arte de callarse, de donde extraemos los comentarios a los que nos referiremos a continuación.

• El primero se refiere al rey de Egipto, quien pidió al tirano Pittaco que de la víctima elegida para el sacrificio le enviara la parte mejor y la peor. Este lo que hizo fue enviarle la lengua, pues de ella vienen todos los bienes y todos los males. Y es que de las palabras proceden tanto los beneficios como las desventajas para quien las profiere.
• El segundo alude a la Naturaleza, la cual hizo que tuviéramos dos orejas, pero solo una lengua, como advirtiéndonos de que debemos oír más que hablar.

Interesante, ¿no?

"Sinfonía de primavera", un biopic sobre Robert Schumann y su mujer, Clara Wieck

Sinfonía de primavera es una interesante película biográfica (biopic) que nos cuenta la historia de amor entre Robert Schumann y Clara Wieck, a la que se opuso férreamente el padre de ella. Robert murió joven y con una enfermedad mental y Clara lo sobrevivió muchos años. Gracias a ella, que era una virtuosa del piano, concertista en los mejores salones de Europa, la obra de su marido fue reconocida y evitó caer en el olvido.

La película, Frühlingssinfonie en alemán, es de 1983 y está protagonizada por Herbert Grönemeyer, el cantante pop más famoso de Alemania, y por Nastassja Kinski, grandísima actriz, premiada por su interpretación del papel de Clara en este film, e hija del también famoso actor Klaus Kinski. La dirección y el guion corresponden a Peter Schamoni.

Hay muchas películas interesantes sobre músicos y música, algunas tan célebres como Amadeus, Los chicos del coro, El pianista... Y no solo sobre compositores de música clásica, sino también sobre cantantes pop: Bohemian Rapsody, Rocket Man, Elvis...

En fin, un gran recurso para aprender sobre "el ruido más agradable", como han llamado algunos a la música.

Por cierto, no hay que confundir al compositor alemán Robert Schumann (apellido con dos "n") con el político francés y padre de la Unión Europea Robert Schuman (apellido con una sola "n").

Y otra cuestión filológica: la palabra biopic es un anglicismo que procede de un acortamiento de biographical picture y se ha hecho muy común en español y otras lenguas.

La vida del músico germano no fue nada fácil. Dejó sus estudios de Derecho para dedicarse a ser un virtuoso del piano, pero una lesión permanente en su mano le impidió conseguir su propósito, lo que hizo que se concentrase en la composición, en la que destacó como uno de los creadores más importantes del Romanticismo musical. Murió joven, a los 46 años, tras sufrir una importante enfermedad mental que le hizo caer en periodos depresivos y maniacos, creía que lo estaban envenenando. Tras un primer intento de suicidio, él mismo aceptó ser internado en el hospital psiquiátrico de Endenich, cerca de Bonn.

"Cada noite", un poema de Rosalía de Castro

Rosalía de Castro es muy importante para la literatura gallega y española. Cada año, su tierra natal, Galicia, festeja el Día das Letras Galegas celebrando a una de sus más ilustres escritoras. Es una poeta muy querida por el pueblo y muchas veces versionada por los mejores cantantes y compositores: Luz Casal, Amancio Prada y muchos más.

Una de sus canciones, "Negra sombra", se ha convertido en un auténtico hit. Una canción que nos habla de su tristeza, de su "morriña", de su intenso dolor vital. Los gallegos son gente melancólica. Ellos tienen la "morriña", los portugueses la "saudade", los asturianos la "señardá"... Un poema romántico con un sentimiento de pesar que la acerca al Federico García Lorca de la "pena negra" gitana en el Romancero gitano.

Dejamos aquí la letra de "Negra sombra", que se asemeja mucho a la de otro poema del que hablaremos después, "Cada noite". Y es que Rosalía de Castro fue una gran sufridora desde su nacimiento (no olvidemos que fue hija ilegítima de un sacerdote que nunca la reconoció). Veámoslo:

Negra sombra

     Cando penso que te fuches,

Negra sombra que me asombras,

Ó pé dos meus cabezales

Tornas facéndome mofa.

Cando maxino que es ida,

No mesmo sol te me amostras,

I eres a estrela que brila,

I eres o vento que zoa.

     Si cantan es ti que cantas;

Si choran, es ti que choras,

I es o marmurio do río,

I es a noite i es a aurora.

     En todo estás e ti es todo,

Pra min y en min mesma moras,

Nin me dexarás ti nunca,

Sombra que sempre me asombras

    Rosalía de Castro, Follas novas, 1880.

Dejamos aquí un enlace por si queréis escuchar la canción de Rosalía de Castro: 

• "Negra sombra", de Rosalía de Castro, en Letr@herida.

Pero hoy queremos hablaros de otro gran poema de Rosalía de Castro, "Cada noite", también tomado de su poemario Follas novas (Hojas nuevas) y en el que late ese mismo espíritu de sufrimiento y abandono de "Negra sombra" y donde se habla de la noche con tono casi místico, al modo de san Juan de la Cruz. El poema dice así:

Cada noite

     Cada noite eu chorando pensaba:

Que esta noite tan grande non fora,

Que durase... e durase... antre tanto

Que a noite das penas

Me envolve loitosa.

     Mais a luz insolente do día,

Constante e traidora,

Cada amañecida

Penetraba radiante de groria

Hastra o leito donde eu me tendera

Coas miñas congoxas.

     Desde entonces busquei as tiniebras

Mais negras e fondas,

E busqueinas en vano, que sempre

Tras da noite topaba ca aurora...

     So en min buscando no oscuro

I entrando na sombra

Vin a noite que nunca se acaba

Na miña alma soia.

Traducción al castellano:

 Cada noche

     Cada noche llorando yo pensaba

que esta noche tan larga no fuera,

que durase y durase mientras

la noche de las penas

me envuelve luchadora...

     Más la luz insolente del día,

constante y traidora,

cada amanecer

penetraba radiante de gloria

hasta el lecho donde me había tendido

con mis congojas.

     Desde entonces he buscado las tinieblas

más negras y profundas,

y las he buscado en vano,

porque siempre

tras la noche encontraba la aurora...

     Sólo en mí misma buscando en lo oscuro

y entrando, entrando en la sombra,

vi la noche que nunca se acaba

en mi alma, en mi alma sola.

Os dejamos algunas versiones de la canción, cantada por varios coros. Que las disfrutéis

Y si queréis más información sobre Rosalía de Castro, su obra y las versiones musicales que se han hecho de sus poemas, podéis visitar el siguiente enlace:

• Rosalía de Castro en Letr@herida.

Revisitando "Il barbiere di Siviglia", de Gioacchino Rossini

 Rossini, el gran compositor italiano, el autor de La Cenerentola (La Cenicienta) y de esa obra maestra de la ópera bufa que es Il barbiere di Siviglia, alcanzó con esta obra maestra un gran éxito que dura hasta hoy.

La ópera rossiniana se inspira en la obra homónima de Beaumarchais, famoso autor cómico francés, heredero de Molière, admirador y editor de Voltaire y colaborador de la Revolución francesa. Una comedia risueña con un trasfondo de burla de la nobleza y de exaltación del ingenio de los plebeyos, pues el barbero, el celebérrimo Fígaro, es el verdadero "factótum" del imbroglio.

Como toda comedia, tiene un final feliz: la bella Rosina se casa con el galán, el conde de Almaviva, para el que trabaja Fígaro. La obra contiene arias famosísimas, como "Largo al factotum" de Fígaro o "Una voce poco fa" de Rosina.

Pero hoy queremos traer aquí un aria quizá menos conocida, pero no por ello menos bella: la que canta don Basilio, bajo, sobre la calumnia. Don Basilio es un arribista, un hipócrita, el maestro de canto de Rosina, y le hace la pelota al viejo don Bartolo, el tutor de la bella, que quiere casarse con su pupila. El problema es que ella está enamorada de otro, el conde, y entonces don Basilio le dice a su amo que la mejor manera de inutilizar al rival amoroso es lanzar contra él una calumnia que lo vuelva indigno a los ojos de la sociedad y le quite cualquier posibilidad de conquista con la joven.

Escuchemos esta maravilla. Van a continuación dos versiones con subtítulos en italiano y español:

Para terminar, y por si queréis más información sobre Rossini, el barbero y la ópera, podéis ver el siguiente enlace con otras entradas a este blog:

• Entradas sobre Rossini en Letr@herida.

"En los surcos del amor", de Carlos Guastavino

 "En los surcos del amor" es una bella canción para coro, compuesta por el argentino Carlos Guastavino. Es una canción de desamor, de cuya interpretación hablaremos un poquito más abajo. Pero primero escuchemos algunas versiones de este clásico coral:

Versión coral con partitura

Versión argentina, con una sonora dicción de la "ll" hilada rioplatense

Versión para coro

Versión para tenor y piano

Letra

En los surcos del amor,

donde se siembran los celos,

donde se siembran los celos,

he recogido pesares

nacidos de mis desvelos,

nacidos de mis desvelos.

¿En qué tribunal has visto, mal pagadora,

condenar a un inocente, bella traidora?

En los surcos del amor,

donde se siembran los celos,

donde se siembran los celos.

La canción corresponde al tópico de la celotypia, las canciones de amor (más bien, desamor) en las que uno de los amantes sufre a causa de esa enfermedad de la querencia que son los celos.

Si nos fijamos en la estrofa "¿En qué tribunal has visto, bella traidora, / condenar a un inocente, bella traidora?" parecen viables dos interpretaciones distintas de la canción:

1) El yo lírico, el que cuenta la historia (digamos: el rol masculino del poema) siente celos porque su amada es una "bella traidora", tontea con otros (o eso cree él).

2) El yo lírico se declara inocente ante la "bella traidora", la cual lo acusa a él injustamente de tontear con otras, es ella la que siente los celos.

Sin embargo, si leemos atentamente toda la canción, nos damos cuenta de que la interpretación 1) es más plausible: El rol masculino narrador empieza diciendo que, puesto que ha sembrado "celos" en los surcos del amor, ha recogido "desvelos", inquietudes, dolor. Por eso recrimina después a la causante de su desgracia, la "bella traidora". 

La canción responde así al esquema causa-efecto, como en el refrán "Quien siembra vientos, recoge tempestades". Aquí, quien siembra celos recogerá desvelos. Esta interpretación permite, además, entender que el culpable de su propia desgracia es el celoso, no la amada, pues él es quien alimenta el monstruo de los celos que, después, lo devora. Quien realmente es "inocente" es la bella y no el celoso amador, culpable de su propio proceso de autodestrucción.

Carlos Guastavino (Santa Fe, 1912-2000) fue un compositor y pianista argentino, muy amante de la música tradicional de su país. Procedía de una familia con aficiones musicales (sus padres tocaban guitarra y mandolina). Estudió en el conservatorio, viajó por el mundo y compuso algunos éxitos continuamente reeditados ("Pueblito, mi pueblo", "Se equivocó la paloma" y "Bailecito para piano", sobre todo). Sus canciones fueron interpretadas por los mejores, entre ellos: Victoria de los Ángeles, Joan Manuel Serrat, Alfredo Kraus, José Carreras, Teresa Berganza, Mercedes Sosa... 

Es posiblemente el representante más destacado del nacionalismo musical argentino, muchas veces premiado por sus contribuciones a la música y la cultura de su país. Escribió más de trescientas obras, para piano y guitarra, música de cámara, obras para orquesta, coro a capela o con piano, canciones para voz y acompañamiento... Además, hizo muchos arreglos de obras preexistentes.

Era un gran amante de la voz, le gustaba cantar y componía siempre de modo “coral”, polifónicamente. Puso música a muchos poetas: Alberti, Neruda, Gabriela Mistral, Juana de Ibarborou, León Benarós, Borges...

Más información:

• "Se equivocó la paloma", entrada en Letr@herida, blog de cultura y literatura.

"An Irish Blessing", una bendición irlandesa de James E. Moore

 "An Irish Blessing" es una canción para coro compuesta por James E. Moore, un brindis por el reencuentro de los amigos o los familiares, una petición de protección al Altísimo para que nuestros caminos sean favorables y podamos volver a reunirnos. Un clásico coral de gran belleza. Se suele cantar solo la primera estrofa en las versiones cortas. La segunda es una variación de la primera y repite el mismo estribillo de la canción, en donde se pide que ojalá quiera Dios tenerte "en la palma de su mano".

Lyrics

     May the road rise to meet you.

May the wind be always at your back.

May the sun shine warm upon your face,

the rains fall soft upon your fields.

And until we meet again, until we meet again,

may God hold you in the palm of his hand.

And until we meet again, until we meet again,

may God hold you in the palm of his hand.

     May the sun make your days bright.

May the stars illuminate your nights.

May the flowers bloom along your path,

your house stand firm against the storm.

And until we meet again, until we meet again,

may God hold you in the palm of his hand.

And until we meet again, until we meet again,

may God hold you in the palm of his hand.

Traducción

     Que el camino salga a tu encuentro.

Que el viento esté siempre tras tu espalda.

Que el sol brille y caliente tu cara,

que la lluvia caiga suavemente sobre tus campos.

Y hasta que nos volvamos a ver, hasta que nos volvamos a ver,

que Dios te tenga en la palma de su mano.

Y hasta que nos volvamos a ver, hasta que nos volvamos a ver,

que Dios te tenga en la palma de su mano.

     Que el sol haga brillar tus días.

Que las estrellas iluminen tus noches.

Que las flores florezcan a lo largo de tu camino

y tu hogar aguante firme contra las tormentas.

Y hasta que nos volvamos a ver, hasta que nos volvamos a ver,

que Dios te tenga en la palma de su mano.

Y hasta que nos volvamos a ver, hasta que nos volvamos a ver,

que Dios te tenga en la palma de su mano.

Esta inspirada canción, conmovedora y bellísima, es obra del músico americano contemporáneo James E. Moore (Virginia, 1951-2022), quien la tomó de la tradición celta irlandesa y la arregló muy acertadamente. Moore era un católico negro americano y su fe se advierte en esta maravillosa obra musical suya. Fue profesor de música y liturgia y director de coro.

Según se dice, la bendición de "An Irish Blessing" podría ser obra del mismísimo san Patricio, patrón de Irlanda. La literatura celta usaba imágenes de la naturaleza y hacía referencias a acciones de la vida diaria. Aquí, la canción nos habla de cómo Dios interactúa en el día a día de cada uno de nosotros y se nos desea la protección divina para nuestro caminar vital.

"Paxarín, tú que vuelas", romanza de "La pícara molinera"

 "Paxarín, tú que vuelas" es una de las romanzas más famosas del repertorio de zarzuela española. Forma parte de La pícara molinera (1928), obra del aragonés Pablo de Luna Carné (Alhama de Aragón,  1879 - Madrid, 1942), y tiene una marcada ambientación asturiana, basada en la novela La Carmona (1926), del autor del Principado Alfonso Camín. Se estrenó en Zaragoza en 1928 y, poco después, en Madrid.

El maestro Luna fue uno de los más prolíficos autores de zarzuelas del nuevo estilo, inspirado en la opereta vienesa, especialmente en las obras de Franz Lehár. Viajó una sola vez a Asturias, para inspirarse para su obra, y consiguió con esta zarzuela uno de sus mayores éxitos.

Esta romanza es tan famosa que los principales tenores la han interpretado: Kraus, Domingo, Carreras, Camarena, Lavirgen, Aragall... En ella, Juan se queja de que Carmona, una femme fatale, lo enamora, pero ella tontea con otro, el Pintu. Tras la queja de amor del tenor, se mascaban en el ambiente la tragedia y la muerte, la reyerta entre ambos enamorados al estilo lorquiano.

LETRA

JUAN - Paxarín, tú que vuelas tiende las alas

y con tu pico de oro dile a mi amada,

dile tú, si está sola, que estoy loco

porque a mí no me quiere y quiere a otro,

por ella no duermo y es mi gran pena

tenerla yo miedo porque no es buena.

     Dile tú que esta noche en la fiesta,

la estaré viendo y que si no me mira,

por ella muero.

     Dile tú que yo deliro y por ella suspiro,

pues vivo por su amor.

Pues sin ella non rezo yo a los santiños,

que non canto como antes por los caminos,

y que si a veces canto, casi me afuego,

que a la vez canto y lloro como los neños,

¡como los neños!,

que a la vez canto y lloro

¡como los neños!.

     Dame vergüenza lo que he llorado,

sólo en mi alcoba,

viendo lo mala que es la loba.

     Dile tú que no dejo de verla por donde miro

y abrasarme quisiera con sus suspiros.

     Dile tú que deliro y por ella suspiro,

pues vivo por su amor

     (de La pícara molinera, zarzuela en tres actos, con libreto de Ángel Torres del Alamo y Antonio Asenjo Pérez.)

"Esta tierra", de Javier Busto (1949-...), con letra de Francisco Pino (1910-2002)

Una canción ecológica de Javier Busto (1949-...), sobre un poema de Francisco Pino (Valladolid, 1910-2002).

Francisco Pino fue un poeta y economista vallisoletano de larga trayectoria del que Javier Busto armonizó dos poemas: "Esta tierra" (2003) y "Paso" (2004). Pino nació y murió en Valladolid. Su familia se dedicaba a la exportación y el comercio. Católico y republicano, estudió bachillerato en el Instituto Zorrilla. Se licenció en Derecho por la Universidad de Valladolid en 1931.

Francisco Pino (1910-2002)

Viajó por Inglaterra y Francia, ampliando su formación en Ciencias Económicas y entrando en contacto con las vanguardias europeas. Impulsó proyectos literarios como las revistas Meseta (1928, junto a José María Luelmo), Ddooss (1931) y A la nueva ventura (1934).

En 1935 se trasladó a Madrid, estudió Filología Francesa, y allí le sorprendió el comienzo de la Guerra Civil. No combatió en ningún bando, pasó un tiempo en la cárcel, conoció a María Jiménez Aguirre y se casaron en 1947 (tuvieron un único hijo). Tras la guerra, vivió un tiempo en Madrid y regresó a Valladolid, donde se dedicó totalmente a la creación poética, componiendo versos tradicionales y también audaces poemas vanguardistas.

Ganó premios como el de las Letras de Castilla y León (1989) y el de la Trayectoria Literaria de la Diputación de Valladolid (1993). Murió en Valladolid el 22 de octubre de 2002.

En "Esta tierra", el poeta describe con sencillez la esencia del paisaje castellano, adusto, seco, con su erótica de tierra llana. El poeta nos dice que está en otro lugar, en el País Vasco, y allí aprecia el esplendoroso paisaje cantábrico; pero aquello no acaba de ir con él, lo que a él le gusta es la tierra seca de Castilla. Un poema que conecta con la generación del 98 y con el mejor Machado de Campos de Castilla.

En cuanto al compositor vasco Javier Busto (Hondarribia, 1949-...), es muy conocido internacionalmente y ha sido premiado en España, Estados Unidos y Europa. Ha compuesto más de 300 obras a lo largo de su trayectoria musical. Estudió Medicina y Cirugía en la Universidad de Valladolid.

Javier Busto (1949-...)

Aportamos aquí estas versiones de "Esta tierra", tomadas de YouTube:

Incluimos también este vídeo donde el propio compositor, Busto, dirige a la coral y hace comentarios sobre su obra:

Esta tierra

     No me busques en los montes

por altos que sean,

ni me busques en la mar

por grande que te parezca.

Búscame aquí, en esta tierra

llana, con puente y pinar,

con almena y agua lenta,

donde se escucha volar

aunque el sonido se pierda.

Ofrecemos, para terminar, la letra del poema "Paso", también de marcado tono ecológico y con la característica sencillez poética de Pino, heredada quizá de Antonio Machado. Un poema que enlaza con el tópico del "aurea mediocritas", el "Beatus ille" horaciano y frayluisino. Moderno y clásico a la vez. Un elogio encendido de la vida retirada.

PASO

¿Irme con el río?

¿Quedar con el aire?

(Las ondas, qué calmas.

Las nubes, qué ágiles).

¿Dormir con el río?

¿Soñar con el aire?

(Las ondas, qué olvidos.

Las nubes, qué imágenes).

Quedarme en el río.

Fundirme en el aire.

Ser la onda que fulge,

la nube que arde.

Ir, en la ignorancia

del río y del aire,

como nube y onda

que salva la tarde.

(En este vídeo se incluyen los dos poemas de Pino musicados por Busto)

"Domine Iesu Christe", de Melchor Robledo (1510-1586)

 El siglo XVI es la edad de oro de la polifonía española y Melchor Robledo es uno de los mejores compositores, aunque quizá no tan conocido como otros músicos (Tomás de Victoria, Cristóbal Morales).

Melchor Robledo (1510-1586) fue, según parece, maestro de capilla de la Seo de Zaragoza entre 1569 y 1586. Prestigioso compositor de relieve europeo, muy reconocido en España e Italia, mereció tal aprecio a la población zaragozana que, a su muerte, el cabildo formó parte del cortejo fúnebre,  honor singular y hasta entonces poco frecuente. Su tumba se encuentra en la capilla consagrada a San Valero, patrón de Zaragoza.

En la música polifónica, el contraste coral produce unos resultados extraordinarios que aumentan la espiritualidad de las canciones religiosas como este magnífico motete titulado "Domine Iesu Christe" que ofrecemos a continuación y que es una obra clásica del repertorio coral hispánico. Está inspirado en el Evangelio de san Mateo, 27:46. 

Casi toda la obra musical de Robledo es religiosa: además del "Domine Iesu Christe", destacamos canciones como "Beati Omnes", "Salve Regina", "Hoc corpus", "Tulerunt  Dominum"... No hay que olvidar que el siglo XVI es la época del Renacimiento, de la homomensura, la fe optimista en el hombre, pero en España es también la centuria de la Contrarreforma, la exaltación de los valores católicos frente a las nuevas interpretaciones del cristianismo protestante.

Domine Iesu Christe

qui in cruce clamasti:

«Heli, Heli, lamma sabachtani?»

Et cum poena et dolore:

«In manus tuas, Domine,

commendo spiritum meum».

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Señor Jesucristo

que en la Cruz clamaste:

«Dios mío, Dios mío, ¿por qué me has abandonado?»

Y con pena y dolor:

«En tus manos, Señor,

encomiendo mi Espíritu».

La letra latina, como podemos ver, hace alusión a la pasión de Cristo, que acabamos de celebrar a finales de marzo y principios de abril (Semana Santa). Jesús se siente solo en la cruz y se encomienda al Padre.

La expresión "Heli, Heli, lamma sabachtani?", también trasliterada como "Elí, Elí..." en castellano, es arameo, no latín, y se corresponde con las palabras que Jesús dijo en la Cruz, según testimonian tanto Mateo como Marcos en sus respectivos evangelios, citándolas a partir del Salmo 22:1. Una vez dichas las palabras, Jesucristo muere y se produce un temblor de tierra como confirmación de que los hombres acabábamos de asesinar al Hijo de Dios.

Dejamos aquí la versión del "Domine Iesu Christe" de Coro Ítaca, dirigido por Ana Val Claraco:

Terminamos esta entrada con otra canción de Robledo, "Salve Regina".